Musique baroque et classique : cours de Première

Quand tu écoutes une pièce de Vivaldi, de Bach ou de Rameau, tu entends en général de la musique baroque. Ce cours t'apprend à la situer dans le temps, à la reconnaître à l'oreille et à comprendre pourquoi, ensuite, une autre esthétique, le classicisme, a pris le relais.

La musique baroque naît en Italie au début du XVIIe siècle. Elle remplace peu à peu les polyphonies très complexes de la Renaissance, puis gagne rapidement toute l'Europe. Son influence sur l'écriture musicale dure près d'un siècle et demi.¹

Trois idées guident tout le chapitre :

• le baroque veut émouvoir : il met en scène les passions humaines ;
• il repose sur une basse continue et sur une écriture qui relie la mélodie aux accords ;
• le classicisme, lui, cherche des phrases musicales ordonnées et rationnelles.

Le mot semble évident aujourd'hui, mais les musiciens des XVIIe et XVIIIe siècles ne s'en servaient pas pour leurs propres œuvres. Aucun d'eux n'a jamais déclaré composer de la musique « baroque ».²

L'origine probable du terme est le mot portugais barroco, qui qualifiait une perle dont la forme n'est pas régulière. Au départ, on l'a employé pour railler l'architecture venue d'Italie.⁴

Le mot a donc commencé comme une critique. À la fin du XIXe siècle seulement, des théoriciens qui étudient l'architecture romaine et les arts visuels lui donnent une valeur positive, en le définissant contre la Renaissance.²

En musique, l'Allemand Manfred Bukofzer reprend ce contraste et fait paraître en 1947 un livre sur l'époque baroque. L'idée d'une « musique baroque » devient alors évidente, surtout chez les Anglo-Saxons, comme le confirme l'ouvrage de l'Américain Claude Palisca en 1968.² Son emploi courant pour la musique de ce temps se répand surtout au milieu du XXe siècle, et il a perdu tout sens péjoratif.⁴

On parle de musique baroque pour la musique composée de la fin du XVIe siècle jusqu'au début de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Ce découpage est une convention, car il rassemble des compositeurs, des traditions, des formes et des langages musicaux très divers.² D'autres présentations situent la période entre 1600 et 1750 environ.⁵ Ces nuances n'ont rien de contradictoire : elles montrent juste que les historiens placent la frontière de façon un peu différente.

On fait souvent commencer la période avec l'opéra L'Orfeo (1607), œuvre de Claudio Monteverdi (1567-1643). La fin correspond à la génération de Bach, de Haendel et de Vivaldi.⁴

Certains compositeurs vivent très vieux. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) et Georg Philipp Telemann (1681-1767) composent encore dans les années 1760. Pourtant, bien avant, les musiciens plus jeunes s'étaient tournés vers un style nouveau.⁴

Une même époque peut donc faire cohabiter deux générations aux goûts différents, l'une fidèle au baroque, l'autre déjà tournée vers autre chose.

Comment reconnaître une œuvre baroque quand on ne connaît pas son titre ? On s'appuie sur quelques traits récurrents.

Que veulent dire ces mots pour ton oreille ?

• Théâtralité : la musique raconte, comme sur une scène. Cela explique que l'opéra soit au cœur de l'époque.
• Contraste : le fort s'oppose au doux, le rapide au lent, un groupe de voix ou d'instruments à un autre.
• Spatialisation : on joue avec la place des interprètes, de sorte que le son semble venir de plusieurs endroits.
• Artifice et ostentation : on cherche l'effet brillant, la virtuosité, la magnificence, à l'image de la musique de cour.

La musique baroque est d'ailleurs le divertissement favori de l'Europe des XVIIe et XVIIIe siècles, des grandes messes aux cérémonies fastueuses de cour.³

Pourquoi est-ce si important ? Parce que la basse continue installe un socle. Au-dessus, les chanteurs et les instruments peuvent orner, contraster, improviser : l'édifice tient grâce à ce pilier.

Imagine une partition. En lisant de gauche à droite, tu suis une mélodie : c'est l'horizontal. En lisant de haut en bas, tu vois des notes qui sonnent ensemble et forment un accord : c'est le vertical. Les compositeurs de la Renaissance pensaient surtout en lignes qui se superposent. Peu à peu, les compositeurs baroques pensent aussi en accords, et ces accords s'organisent en un système.

Ce système repose sur une théorie. Rameau (1683-1764) est considéré comme le premier compositeur à avoir rédigé, en 1722, un traité complet sur les principes harmoniques.³ La verticalité des accords devient ainsi un véritable langage, le système tonal.

La période baroque est celle où naissent l'opéra, le concerto et l'oratorio.² La musique baroque couvre de nombreux genres, de la musique instrumentale à l'opéra, dont elle est à l'origine.⁴ Les compositeurs s'illustrent aussi dans la musique de chambre et dans la cantate.¹

Une précision de vocabulaire utile : à l'époque baroque, le mot « symphonie » désigne toute pièce qui combine plusieurs instruments, qu'il s'agisse d'un petit effectif ou d'un orchestre, comme l'ouverture d'un opéra.² Ne le confonds donc pas avec la symphonie classique que tu rencontreras ensuite.

Côté instruments, le clavecin et la viole de gambe sont typiquement associés à cette période.⁴ De plus, l'époque baroque voit l'essor de la musique instrumentale, qui cesse de dépendre de la voix humaine comme source principale de création.³

Les noms à retenir sont nombreux. Voici un classement par pays des figures majeures de l'époque :

• Italie : Claudio Monteverdi, Girolamo Frescobaldi, les deux Scarlatti (Alessandro et Domenico), Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi ;
• France : Lully, Charpentier, Marin Marais, Couperin et Rameau ;
• pays germaniques et Angleterre : Bach, Haendel, Schütz, Buxtehude, Pachelbel, Telemann et Purcell.⁴

La musique baroque s'étend sur une large partie de l'Europe de l'Ouest. La France et l'Italie en sont les principaux pays, et les pays germaniques lui font un écho remarquable.⁴

Les deux grands pôles sont l'Italie et la France. Leurs styles sont fortement opposés, malgré des influences réciproques. L'opposition est si forte que des musiciens d'une école refusent parfois de jouer des œuvres de l'autre.⁴

L'Italie donne le ton. Son style se diffuse largement hors de ses frontières.⁴ C'est aussi le berceau de l'opéra et du concerto, comme tu l'as vu plus haut.

La France résiste le plus longtemps à cette domination, sous l'influence de Jean-Baptiste Lully, un Italien naturalisé français. Cette résistance dure jusqu'à la Querelle des Bouffons, au milieu du XVIIIe siècle.⁴

Pourquoi la France développe-t-elle un style si personnel ? Le pouvoir y joue un rôle. Louis XIV avait reçu une bonne formation musicale et il a vu naître autour de lui de nombreuses institutions musicales.⁵ Son ministre Colbert permet la création d'académies royales, calquées sur l'Académie française (1635) : on y trouve l'Académie royale de danse (1661) et l'Académie royale de musique (1672).⁵ Ces académies encadrent ensuite toute la vie artistique et intellectuelle du régime.⁵

Lully, violoniste et compositeur né en Italie puis naturalisé français, est surintendant de la musique de Louis XIV. Musicien talentueux, bon organisateur et habile courtisan, il règne sur la vie musicale française au temps du Roi-Soleil.⁵

La musique religieuse suit aussi les goûts du roi. Le grand motet est l'aboutissement de la musique sacrée française de l'époque baroque ; il existe parce que Louis XIV avait une idée précise de ce qui convenait à la Chapelle royale.⁵

Enfin, François Couperin incarne l'un des sommets de l'école française de clavecin. Son invention ne cesse de se renouveler, et il pousse l'art de l'ornementation très loin.⁵

Après la fin de la période, cette musique tombe dans un relatif oubli. La musique baroque française, comme le reste du baroque, est délaissée après la Révolution. On la redécouvre progressivement à partir de la fin du XIXe siècle, puis surtout une fois la Seconde Guerre mondiale terminée.⁵

Dans les années 1950-1960, le chef d'orchestre Jean-François Paillard fouille les bibliothèques, déniche des traités anciens et teste ses trouvailles avec son orchestre. C'est à lui que l'on doit la redécouverte d'une partie du répertoire français.⁵ Plus tard, dès la fin des années 1970 et surtout dans les années 1980, des ensembles spécialisés prolongent ce travail, comme Les Arts florissants de William Christie.⁵

En 1987, le Centre de musique baroque de Versailles est créé, et la France réinterprète l'histoire et l'esthétique de cette période à partir des années 1970.²

Le classicisme musical succède au baroque. Il s'agit de l'époque de Mozart à Beethoven.³ Qu'est-ce qui change ?

Du côté baroque, les « figures » reposent sur une basse continue très stable, à la jonction du contrepoint et de l'harmonie.⁴ Du côté classique, la verticalité apportée par le système tonal appelle une structure encore plus poussée des phrases musicales. La musique classique laisse de côté les fioritures de la basse continue au profit d'éléments discursifs plus rigoureux.³

Une image t'aidera. Pense à un texte écrit : la ponctuation sépare les idées, les phrases ont un début et une fin clairs. En musique classique, on entend de la même façon des phrases qui s'achèvent nettement, comme si le compositeur argumentait. Le baroque, lui, déploie souvent un discours continu, orné, soutenu par la basse.

Le passage d'un style à l'autre n'est pas simultané partout. La France a suivi avec retard le mouvement européen vers le style dit « classique », illustré notamment par Haydn.⁴