Musiques populaires et du monde : cours de Première

Quand tu écoutes un morceau de ta playlist, tu ne te demandes sans doute pas d'où viennent ses sons, qui l'a produit, ni pourquoi on le classe parmi les musiques « populaires ». Ce cours t'aide à poser ces questions, avec des outils précis. Il suit une idée du programme de spécialité Musique : étudier les pratiques et les rôles de la musique dans le monde contemporain.¹

Le programme propose pour cela plusieurs entrées. Deux nous intéressent ici : la mondialisation culturelle, abordée sous l'angle de la diversité, de la relativité et des nouvelles esthétiques, et les supports de la musique (mémoire, écriture, enregistrement).¹ Les ressources d'accompagnement ajoutent des mots-clés : authenticité, identités, métissage, transformation, et l'opposition entre culture individuelle et patrimoine collectif.²

Tu as déjà rencontré, dans les chapitres précédents, la musique baroque et classique, la musique romantique, puis les musiques des XXe et XXIe siècles. Ici, on change de point de vue : on ne classe plus seulement par époque ou par compositeur, on s'intéresse à la circulation des musiques, à leur public et à leur fabrication.

Cette définition contient trois idées que tu peux retenir séparément.

1. Un public. Ce qui compte, c'est le milieu dans lequel la musique naît et qu'elle touche, pas un niveau de difficulté ou de qualité.⁶
2. Un lieu. La ville et l'industrie sont le terreau de ces musiques.⁶
3. Une technique. Elles sont souvent liées à l'histoire de la révolution industrielle et technologique, qui a produit la technique phonographique, et à l'histoire de la mondialisation.⁶

La troisième idée est capitale pour la suite : une musique qui peut être enregistrée et reproduite voyage plus facilement qu'une musique transmise seulement de mémoire. Un disque traverse les frontières sans musicien ; il peut être écouté mille fois à l'identique. C'est un des moteurs de la diffusion mondiale dont parle le programme quand il évoque les supports de la musique.¹

Le terme de musique populaire est discuté. Le sociologue Simon Frith avance que l'expression « culture populaire » n'a de sens que par comparaison.⁶ Autrement dit, on ne peut pas dire ce qu'est le populaire sans dire par rapport à quoi on le situe.

Trois comparaisons reviennent le plus souvent : avec la haute culture, avec la culture folklorique et avec la culture de masse.⁶ En musique, cela donne trois oppositions, que le tableau ci-dessous résume.⁶

Prends l'habitude de formuler ainsi : « Cette musique est populaire par rapport à la musique savante, parce que… ». Cette précision évite les jugements flous et montre au jury que tu as compris le mécanisme du terme.

Cette idée surprend souvent. On croit spontanément qu'une musique « populaire » est forcément très vendue. Pourtant, le nombre d'exemplaires écoulés ne décide pas : un enregistrement classique à grand succès peut se vendre davantage qu'un genre populaire resté discret. Par ailleurs, on ne confond pas non plus musique populaire et musique commerciale. La première se reconnaît à des critères de qualité et rassemble autour d'elle des communautés de mélomanes.⁶

La mondialisation culturelle occupe une place centrale dans le programme, avec trois mots à retenir : diversité, relativité, nouvelles esthétiques.¹ La diversité désigne la multiplicité des musiques qui circulent. La relativité rappelle qu'aucune musique n'est la norme universelle : chacune se comprend selon sa culture. Les nouvelles esthétiques sont les sons et les formes qui naissent de ces rencontres.

Les ressources du programme proposent d'étudier ces échanges à travers les notions d'authenticité, d'identités, de métissage et de transformation.²

Les musiques populaires permettent d'observer ces mélanges de près. En Europe, elles ont gardé des habitudes issues de la musique modale, du système tonal et des instruments classiques ; mais, de manière générale, les musiques populaires peuvent aussi s'appuyer sur d'autres genres et d'autres traditions.⁶

Deux exemples le montrent. Au Japon, la musique populaire associe le jazz et les traditions musicales du pays.⁶ Chez les Beatles, certains titres s'inspirent à la fois de la musique classique européenne, de la pop américaine et de la musique traditionnelle indienne.⁶

On en retient une idée utile : la grande variété des genres et l'effacement des frontières musicales caractérisent la musique populaire, ce qui la lie étroitement à l'histoire de la mondialisation.⁶

Les ressources du programme opposent une culture individuelle et un patrimoine collectif.² Cette opposition aide à penser la question de l'identité.

D'un côté, un musicien choisit ses influences, ses instruments, sa langue : c'est un geste individuel. De l'autre, une communauté possède des chants, des danses, des instruments qu'elle transmet : c'est un patrimoine commun. Beaucoup de créations actuelles se placent entre les deux : un artiste puise dans un patrimoine collectif pour construire une identité personnelle, ou au contraire emprunte à d'autres cultures et transforme ce qu'il reçoit.

Le mot identités, au pluriel dans les ressources du programme, rappelle qu'une personne ou un groupe n'en a pas une seule.²

Les musiques populaires sont aussi au cœur d'enjeux économiques. L'aspect commercial et promotionnel domine depuis la seconde moitié du XXe siècle : la musique populaire occupe la première part de marché dans le monde de la musique.⁶ Les producteurs emploient donc des méthodes commerciales poussées, semblables à celles des produits de consommation courante.⁶

La production principale s'appuie sur une politique qui cherche à dégager des profits, surtout portée par les grandes maisons de disques, appelées majors.⁶ Les maisons indépendantes, à la diffusion plus limitée, semblent moins tournées vers le profit.⁶

Certains musiciens, faute de contrat, s'autoproduisent : leur visibilité est alors réduite, même si Internet a changé la situation ces dernières années.⁶

Ces enjeux nourrissent une critique ancienne. Pour ses détracteurs, la musique populaire se confond avec la culture de masse ou la musique « commerciale ».⁶ Theodor W. Adorno en est un exemple : il a rendu célèbre le concept d'industrie culturelle et voyait dans le jazz, par exemple, de simples modes ou produits commerciaux.⁶

Le terme est aussi utilisé comme comparatif par certains défenseurs de la musique savante, qui jugent ses faiblesses esthétiques à l'aune de la musique classique européenne.⁶ Retiens la leçon méthodologique : un jugement dépend du critère choisi. Si l'on juge le jazz avec les critères de la musique classique européenne, on le juge sur un terrain qui n'est pas le sien. C'est exactement ce que veut dire la « relativité » du programme.¹

Le programme invite à interroger les supports de la musique : mémoire, écriture, enregistrement, etc.¹ Chaque support transmet la musique d'une façon différente.

• La mémoire : on apprend en écoutant et en répétant. Cela favorise les variantes, car chaque interprète retient et transforme à sa manière.
• L'écriture : la partition fixe une organisation précise des sons et peut voyager sans musicien.
• L'enregistrement : il conserve une interprétation particulière, avec son timbre et ses nuances.

Les musiques populaires sont étroitement liées à la technique phonographique.⁶ Le disque, puis les supports numériques, ont multiplié les occasions d'écouter des musiques éloignées, ce qui alimente le métissage évoqué plus haut.

À l'écrit comme à l'oral, on attend de toi une démarche claire. Voici un plan simple qui s'applique à presque n'importe quel morceau.