Mise en scène et représentation : cours de Première

Quand tu lis une pièce de théâtre, tu construis seul(e) un spectacle dans ta tête : tu imagines des voix, des gestes, un lieu. Quand tu vas au théâtre, ce travail a déjà été fait par une équipe. Des personnes ont décidé où les acteurs se placent, comment ils parlent, ce qu'ils portent, dans quel espace ils jouent. Ces décisions forment la mise en scène.

Une même pièce peut donc donner des spectacles très différents. Les ressources d'accompagnement d'Éduscol pour la classe de Première le montrent : elles proposent de rapprocher des affiches de mises en scène de dates différentes (2014, 2016-2017, 2017, 2019), signées par des metteurs en scène différents, pour observer ce que chacun choisit de mettre en avant.¹ Elles invitent aussi à placer des mises en scène contemporaines à côté de mises en scène de textes du répertoire.³

Ce cours poursuit trois objectifs :

• comprendre ce que recouvrent les mots mise en scène et représentation ;
• situer dans le temps l'apparition de la mise en scène, de l'époque où chaque acteur s'arrangeait seul jusqu'au metteur en scène moderne ;
• t'équiper d'une méthode pour analyser une mise en scène à l'écrit comme à l'oral, à partir d'une captation, d'une photographie ou d'une affiche.

La distinction compte pour l'analyse. Les ressources d'Éduscol séparent d'ailleurs deux moments : l'activité menée après la représentation est présentée comme une recherche dramaturgique, c'est-à-dire un retour sur les choix du spectacle vu ou vu en captation.¹ Observer, c'est donc travailler sur ce qui a été montré, pas seulement sur ce qui est écrit.

Le mot déborde du théâtre. Par extension, on parle de « mise en scène » pour la préparation coordonnée d'événements qui ne sont pas des spectacles théâtraux, et, dans un sens plus large encore, pour souligner qu'un événement est construit.⁴ Quand un journaliste dit qu'une visite officielle est une « mise en scène », il emploie ce sens large : tout y a été réglé à l'avance pour produire une impression. En cours de français, le mot désigne le plus souvent le travail sur un spectacle de théâtre.

Pour mesurer ce que change la mise en scène, imagine le théâtre sans metteur en scène. Autrefois, les acteurs interprétaient leur rôle d'après des conventions établies. Chacun construisait sa propre gestuelle et sa propre déclamation, apportait son costume, et les déplacements restaient réduits au minimum.⁴

Le résultat est facile à deviner : un spectacle fait de talents juxtaposés, sans cohérence d'ensemble. Un comédien pouvait porter un costume qui n'avait aucun rapport avec celui de son partenaire, et personne ne cherchait à accorder les déplacements avec le décor.

La mise en scène a une histoire courte, qui se joue surtout entre la fin du XVIIIe siècle et la fin du XIXe siècle. Voici les repères à connaître.

Pourquoi la scène libérée des spectateurs compte-t-elle ? Tant que des spectateurs privilégiés s'installent sur le plateau, l'espace de jeu est encombré et la scène ne peut pas être entièrement organisée. Quand ils disparaissent, tout l'espace appartient à ceux qui préparent le spectacle, et on peut y régler des déplacements.⁴

Le moment 1887 est celui du Théâtre-Libre d'André Antoine. Plusieurs facteurs ont favorisé cette émergence : le mouvement naturaliste, la conscience que le théâtre d'alors avait des limites, le désir d'un réalisme artistique et une ambiance très favorable.⁴ Le naturalisme cherche à représenter le réel avec exactitude ; une scène réaliste exige un décor, des gestes et des costumes qui s'accordent, donc quelqu'un pour les régler.

Une question traverse toute l'histoire de la mise en scène : le metteur en scène doit-il servir le texte ou le prendre comme matière à création ? Une ressource d'Éduscol consacrée à la nature et à la place du texte au théâtre aborde le rapport entre texte et représentation, et cite le texte de Michel Vinaver intitulé « La mise en trop ».² Les débats sont vifs parce qu'ils engagent la place de l'auteur et celle du metteur en scène.

Une mise en scène ne se pense pas sans public. Le théâtre n'existe qu'à l'instant où des spectateurs le regardent. Depuis que le théâtre de rue a fait irruption en 1968 et sorti le spectacle des lieux traditionnels, la mise en scène accorde plus d'attention au lien entre acteurs et public.⁴

Cette remarque a des conséquences concrètes sur ce que tu observes :

• la disposition des spectateurs : face à la scène, tout autour, dans la rue ;
• la distance entre les corps des acteurs et ceux des spectateurs ;
• l'adresse : les acteurs regardent-ils le public, l'ignorent-ils, lui parlent-ils ?

L'analyse d'une mise en scène consiste à décrire ce qu'on voit et entend, puis à expliquer ce que ces choix produisent. Voici une grille que tu peux appliquer à une captation, à une photographie de scène ou à une affiche.

Une fois ces éléments repérés, l'essentiel reste à faire : les mettre en relation avec le texte. La question n'est jamais « que voit-on ? » mais « que fait comprendre ce choix ? ».

Tu n'as pas toujours vu le spectacle en salle. Les ressources d'Éduscol s'appuient sur une captation disponible sur le site de l'INA et sur des affiches de mises en scène.¹ Chaque support a ses forces et ses limites.

Le tableau suivant résume comment les exploiter.

Dans l'étude d'une pièce, une attention particulière est portée à la scène d'ouverture. Une ressource d'Éduscol, qui prend appui sur une mise en scène de Jacques Lassalle au Théâtre National, indique que la scène liminaire permet de saisir les enjeux dramaturgiques de la pièce.¹ C'est un bon réflexe : on y découvre l'espace, les personnages et le ton que la mise en scène installe.

Le sociologue Erving Goffman a popularisé l'idée que la vie quotidienne ressemble à un spectacle. Dans La Mise en scène de la vie quotidienne, traduit en français en 1973, il décrit l'individu comme un acteur en représentation, qui cherche à maîtriser l'impression qu'il donne aux autres.⁵ Il évoque un décor et une façade personnelle (vêtements, attitude, façon de parler, mimiques) dont l'acteur dispose pour jouer son rôle.⁵