L'art moderne : cours de Terminale arts plastiques

Quand tu prépares l'épreuve de culture artistique en arts plastiques, on te demande rarement de réciter une liste de peintres. On attend que tu sois capable de situer une œuvre dans un mouvement, d'expliquer ce qu'elle remet en cause et de la relier à d'autres œuvres. L'art moderne est le point d'appui de cette démarche : presque toutes les questions de l'art du XXe siècle partent de lui.

Ce cours part d'une question simple. Qu'est-ce qui change, dans la manière de faire des images et des objets, entre le milieu du XIXe siècle et le milieu du XXe ? Pour y répondre, nous allons suivre trois fils : la rupture avec les traditions, le rôle de la couleur et de la forme, puis l'éloignement de la représentation vers l'abstraction.

Dans la chronologie de l'histoire de l'art, l'art moderne vient après le réalisme et avant l'art contemporain.⁶ On le rapproche aussi d'un courant culturel et philosophique, le modernisme.⁶ Retiens ce vocabulaire : « moderne » ne veut pas dire « récent » pour l'historien de l'art. C'est le nom d'une période précise, avec un début et une fin.

Pour comprendre ce que les artistes modernes refusent, il faut d'abord voir ce qu'ils trouvent en face d'eux. À l'époque, les artistes travaillent surtout sur commande ou pour de grandes expositions officielles, financées par le gouvernement.⁶ Ce système repose sur un idéalisme auquel les artistes modernes s'opposent.⁶

Ils ne cherchent plus seulement à plaire à un jury ou à un commanditaire. Ils posent des questions : à quoi sert une image ? Un tableau doit-il ressembler à la réalité ? La couleur peut-elle exister pour elle-même ? Ces questions deviennent le moteur de l'histoire de l'art au XXe siècle.

Un autre phénomène accompagne ce changement : la naissance de la critique d'art.⁶ L'art devient lui-même un sujet d'écriture, et la critique prend souvent la forme d'un discours engagé sur l'œuvre.⁶ Cela a une conséquence directe pour toi : une œuvre moderne s'accompagne souvent d'un discours (manifeste, article, prise de position) dont tu peux te servir pour l'interpréter. Utiliser ce discours dans ton analyse, c'est montrer que tu comprends comment l'art moderne fonctionne.

L'art moderne ne tombe pas du ciel. Il prend la suite du romantisme, du réalisme et de l'impressionnisme, au moment où surgissent aussi le postimpressionnisme et le symbolisme.⁶ Il se nourrit de sources variées : les arts décoratifs orientaux, en particulier les estampes japonaises, les innovations picturales de J.M.W. Turner et d'Eugène Delacroix, ainsi que le naturalisme des scènes de vie quotidienne chez des peintres comme Jean-François Millet.⁶

Le cas de l'impressionnisme est central. Les impressionnistes s'intéressent avant tout aux effets de la lumière et travaillent en plein air.⁶ Ils sortent de l'atelier pour observer ce que la lumière fait réellement aux choses. Ils s'organisent aussi : en 1873, ils fondent une association en forme de coopérative, réunissant artistes peintres, sculpteurs et graveurs. Malgré des désaccords en son sein, elle organise plusieurs expositions indépendantes.⁶

Au début du XXe siècle, deux mouvements illustrent bien la manière dont l'art moderne remet en cause l'imitation : le fauvisme et le cubisme. Le premier libère la couleur, le second bouscule la forme et la perspective.

Pour analyser une œuvre fauve, pose-toi une question : la couleur sert-elle à décrire (un ciel bleu, une peau rose) ou à exprimer, à construire l'image par elle-même ? Plus la couleur s'émancipe de ce qu'elle représente, plus l'œuvre avance vers l'abstraction, direction que le fauvisme a justement ouverte.²

Beaucoup de ces artistes ont un point commun géographique : Paris. Dès le tournant du XXe siècle, de jeunes artistes affluent dans la capitale : certains pour échapper aux pogroms de l'Empire russe, d'autres attirés par un cadre libre et moderne.⁴ Parmi eux, Marc Chagall, Chaïm Soutine, Amedeo Modigliani ou Chana Orloff.⁴ Cet exemple montre que l'art moderne n'est pas seulement une affaire d'esthétique : il est aussi lié à l'exil, aux migrations et à la recherche de liberté.⁴

Van Dongen, de son côté, illustre un parcours parisien qui mène de Montmartre à Montparnasse et aux beaux quartiers, avec la gloire et le succès.⁴ Les femmes artistes jouent aussi un rôle primordial dans le développement des grands mouvements de la modernité, comme le met en avant l'exposition « Pionnières » consacrée aux artistes du Paris des années folles.⁴

La décennie 1919-1929, appelée Années folles, est marquée par l'agitation des rythmes, des couleurs, des coiffures et des robes courtes : une vague de joie qui répond au drame qu'a été la Première Guerre mondiale.⁴ Elle donne aussi lieu à une formidable production artistique, avec de nombreuses créations littéraires, plastiques et architecturales.⁴ La période voit la naissance du mouvement Dada et du surréalisme.⁴

Mais ce moment n'est pas seulement joyeux. Derrière les fêtes, une fissure apparaît déjà : la modernité fascine autant qu'elle effraie, et le désenchantement gagne. Peu après, le désir d'ordre et de revanche prépare l'arrivée des régimes totalitaires et d'un nouveau conflit.⁴ Pour ton analyse, cette ambivalence est un bon fil conducteur : l'art de cette époque exprime à la fois l'enthousiasme et l'inquiétude.

Le surréalisme dépasse largement la peinture. Prends Lee Miller (1907-1977) : elle a enchaîné les rôles de mannequin, d'artiste surréaliste, de portraitiste et de photographe de mode, avant de devenir correspondante de guerre accréditée par l'armée américaine.⁴ Autre figure : Eugène Atget, qui photographiait le vieux Paris et meurt en 1927. Il n'a jamais rejoint de groupe artistique de son vivant, pourtant les surréalistes ont fait de lui une référence.³ La photographie appartient donc bel et bien à l'art moderne.

Une fois la Seconde Guerre mondiale terminée, ce sont les États-Unis qui deviennent le centre de nouveaux mouvements artistiques.⁶ Les années 1950 et 1960 voient notamment s'affirmer l'expressionnisme abstrait, né à la fin des années 1940, puis émerger l'art conceptuel et le happening.⁶ En 1964, Robert Rauschenberg remporte le Lion d'or de la Biennale de Venise, plus prestigieux des prix en art, récompensant pour la première fois un artiste américain et détrônant l'hégémonie française.⁶

Le pop art, lui, traverse les années 1960, de l'Angleterre aux États-Unis. Il emprunte ses matériaux à la culture de masse et interroge le pouvoir des images, avec des artistes comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein.³ Le contraste avec l'expressionnisme abstrait est intéressant : d'un côté l'intériorité de l'artiste,³ de l'autre les images populaires et fabriquées en série.³

Les années 1980 et 1990 voient une renaissance de la peinture avec le néo-expressionnisme, tandis qu'artistes et architectes questionnent l'idée de modernisme pour créer le postmodernisme.⁶ C'est l'aboutissement logique de l'histoire : l'art moderne est devenu lui-même un objet de questionnement. Il s'agit là d'un prolongement vers les notions d'art contemporain et de grands courants artistiques que tu aborderas ensuite.

Au bac, une même œuvre peut être questionnée sous plusieurs angles. Voici une démarche simple, valable pour une œuvre du XXe siècle, qui te permet d'organiser une réponse claire sans réciter de liste.