Le jeu de l'acteur : cours de Terminale en théâtre

Quand tu sors d'une représentation, tu as souvent une impression très nette : tel acteur t'a touché, tel autre t'a laissé à distance. Pourtant, il a dit les mêmes mots que ses partenaires et suivi la même mise en scène. Cette différence, c'est ce que l'on appelle le jeu de l'acteur.

En spécialité théâtre, tu es invité à regarder ce jeu de deux façons. D'abord en pratique : tu joues, tu travailles un texte, tu cherches comment le dire et le faire vivre sur un plateau. Ensuite en analyse : tu observes le jeu d'un interprète dans un spectacle vu, tu le décris avec précision et tu en proposes une interprétation. Les ressources pédagogiques consacrées à ce sujet rappellent que des artistes de théâtre ont écrit des réflexions très riches sur l'acteur, et que ces textes éclairent la pratique comme l'analyse ².

Dans ce cours, nous restons au théâtre. Nous verrons successivement :

• les mots pour désigner celui qui joue, et ce qu'ils disent de l'art du jeu ;
• le texte, son support principal, et ce qui s'y ajoute (le corps, le chant, la danse) ;
• le sous-texte, c'est-à-dire ce que l'acteur imagine derrière les mots ;
• l'entraînement qui permet de construire un jeu ;
• la relation au partenaire et à l'espace ;
• quelques repères pour nourrir ta réflexion ;
• une méthode pour analyser le jeu d'un acteur lors d'un spectacle.

Le vocabulaire du métier a une histoire. Le mot « acteur » vient du latin actor, qui désigne celui qui interprète un personnage dans une mise en scène, et plus largement « celui qui fait » ⁴. L'actrice est son féminin. L'idée de départ est donc simple : l'acteur agit.

Le mot drame vient du grec ancien drâma, qui signifie « action jouée sur scène ». À l'origine, il désigne toute action scénique ⁴. Avec le temps, la séparation entre ces catégories s'est estompée. Aujourd'hui, en français, on appelle « comédie » l'art de l'acteur en général, même quand la pièce n'a rien de comique ⁴.

Cela explique une confusion fréquente : tu peux lire qu'un tragédien « joue la comédie ». Il n'y a aucune erreur, c'est simplement le nom de l'art.

Au théâtre, le point de départ d'un acteur est presque toujours un texte. C'est son support principal ⁴. Mais le texte ne suffit pas à faire un jeu, et l'acteur ne se contente pas de le réciter.

Tu peux en tirer une idée simple : le jeu est un ensemble de moyens. La voix en fait partie (hauteur, volume, débit, silences), le corps aussi (posture, déplacement, regard, geste). À chaque instant, l'acteur choisit ce qu'il met en avant.

Pour étudier un jeu, les ressources pédagogiques proposent plusieurs entrées : à qui l'acteur s'adresse, quel écart sépare les interprètes, comment ils sont placés et comment ils investissent le plateau ². Tous ces éléments font partie du jeu, même quand personne ne parle.

Les textes de réflexion sur l'acteur utilisent une notion précieuse : le sous-texte. Une des ressources associe cette notion à la part d'imagination de l'acteur ². Jouer un texte ne se réduit donc pas à le prononcer : il faut lui donner une vie intérieure.

On imagine parfois que l'acteur « a un don » et qu'il suffit de monter sur scène. En réalité, pour construire son jeu, il pratique un entraînement ⁴.

Un danger guette pourtant : répéter des exercices de façon mécanique, jusqu'à ce qu'ils n'aient plus aucune vie. Pour l'éviter, l'acteur cultive son imagination. Elle lui envoie des images qui donnent une raison à la forme répétée ⁴.

L'acteur construit aussi ses exercices en fonction de sa coordination, de son équilibre, et en explorant les limites de son corps, sans brutalité ⁴. Retiens ce dernier point : un entraînement sérieux est exigeant, mais il ne force jamais le corps contre lui-même.

Un acteur ne joue jamais seul, même dans un monologue : il joue pour quelqu'un, avec un public face à lui. Les ressources sur le jeu de l'acteur conseillent de regarder plusieurs choses : à qui il s'adresse, l'écart entre les interprètes, leur placement et leur manière d'occuper le plateau ². Quand on analyse un spectacle, on observe aussi le rapport à l'espace, le rythme, le son et la lumière, en plus du jeu lui-même ³.

Joue donc toujours en écoutant. L'acteur qui ne prête attention qu'à son texte ne réagit plus à ce que fait son partenaire. Or le jeu naît de cette réaction : un regard qui répond, un silence qui s'installe, un geste qui déclenche le suivant.

Le jeu de l'acteur n'a pas toujours été conçu de la même façon. Les ressources pédagogiques proposent de l'étudier à travers plusieurs repères : la déclamation baroque, Stanislavski et le naturalisme, ou encore le jeu de l'acteur dans d'autres cadres esthétiques ². Tu n'as pas à retenir une histoire détaillée de ces écoles, mais à comprendre qu'on peut jouer de manières très différentes, selon l'époque et l'esthétique.

Un exemple de ce que la pensée d'un artiste peut apporter : la Lettre aux acteurs oppose une façon de jouer qui passe par le souffle et le corps à un jeu plus cérébral. Les ressources y trouvent notamment une formule sur les « acteurs pneumatiques » ². Sans développer cette référence plus que ce que tu as lu, retiens qu'un auteur peut proposer une image forte pour caractériser un jeu.

En spécialité théâtre, on attend de toi une analyse appuyée sur des spectacles vus. Les ressources de l'académie d'Aix-Marseille soulignent que le travail porte sur le texte et sur l'acteur dans la scène contemporaine, grâce aux spectacles vus ³. Elles listent aussi des éléments de perception à observer : le jeu de l'acteur, le rapport à l'espace, le rythme du spectacle, le son et la lumière ³.