Pratique et création musicale : cours de Première

Quand tu chantes dans un ensemble, que tu joues une ligne d'accompagnement ou que tu modifies une mélodie pour qu'elle te plaise davantage, tu fais déjà de la musique « de l'intérieur ». Ce cours part de cette idée simple : on comprend mieux la musique en la faisant, et c'est en la faisant que l'envie de créer apparaît.

Au lycée, l'enseignement de la musique s'inscrit dans la suite de l'éducation musicale reçue au collège. Il y ajoute une dimension technique et culturelle plus forte.¹ Il est aussi traversé en permanence par des pratiques créatives exigeantes et par des échanges avec le monde artistique.¹ Autrement dit, tu n'écoutes plus seulement : tu fabriques, tu essaies, tu proposes.

Dans ce chapitre, tu t'appuies sur ce que tu as vu avant : écouter et analyser une œuvre, maîtriser les bases du langage musical (hauteurs, durées, nuances), repérer des formes et des genres. Ces outils servent maintenant à agir. Nous verrons :

• ce qu'apportent les pratiques collectives ;
• comment on passe de la pratique à la création ;
• ce que « créer » veut dire dans le cadre scolaire ;
• quels matériaux sonores on peut travailler ;
• comment la composition a évolué au fil de l'histoire ;
• une méthode pour mener un petit projet de création.

Le lycée propose des pratiques collectives, vocales ou instrumentales. Elles sont facultatives : chacun choisit d'y participer ou non.¹ Les élèves qui suivent un enseignement musical en seconde sont toutefois fortement encouragés à s'y engager, et l'offre s'adresse à tous les élèves de l'établissement.¹

Pourquoi un travail à plusieurs forme-t-il si bien ? Parce qu'il t'oblige à tenir compte des autres : respecter un tempo commun, écouter la ligne voisine, ajuster ta nuance pour ne pas couvrir un camarade. Ces réflexes se retrouvent ensuite quand tu analyses une œuvre, puisque tu sais d'expérience comment les voix et les instruments s'équilibrent.

Les conditions matérielles pèsent beaucoup : plage horaire, locaux, disponibilité des élèves.¹ Un ensemble sans créneau commun ne peut tout simplement pas répéter.

Faire de la musique ensemble ne suffit pas à créer, mais cela prépare le terrain. Les pratiques actives conduisent naturellement à des démarches plus exploratoires, qui font appel à ta créativité.¹ Tu ne te contentes plus de reproduire : tu essaies autre chose.

Les possibilités sont nombreuses. On peut par exemple :

• imaginer un nouveau phrasé pour une mélodie ;
• changer la modalité d'une mélodie ;
• modifier une succession harmonique ;
• jouer sur les durées ;
• varier un thème.¹

Ce sont des gestes à la portée de tous, car ils partent de quelque chose que tu connais déjà. À force de les répéter, on passe progressivement d'une attitude créative à une autre, plus ambitieuse, qui vise la création musicale proprement dite.¹

Le mot « création » peut intimider. Les ressources pédagogiques pour la classe de Première précisent un point utile : en éducation musicale, on parle d'expression artistique par une pratique créative ou un geste créatif, et non d'une création artistique au sens d'un chef-d'œuvre attendu.³ On ne te demande donc pas d'écrire une symphonie.

Cette idée a une conséquence pratique : tout le monde peut s'y mettre. Les moyens de créer sont variés. On peut, par exemple, organiser un discours musical, c'est-à-dire enchaîner des idées sonores dans un ordre qui a du sens.³ Plus on pratique tôt cette créativité, plus elle devient familière.³

Les réalisations en milieu scolaire se font souvent avec des objets sonores et des instruments, parfois sous la conduite d'un musicien intervenant. Celui-ci peut jouer un rôle de catalyseur : il aide le groupe à démarrer et à avancer.⁴

Pour créer, il faut des matières premières. En musique, ce sont les paramètres du son que tu connais déjà. Une partition note au plus près la hauteur, l'intensité et la durée que l'interprète devra recréer.⁵ À ces trois paramètres s'ajoute la recherche de timbres et leur arrangement.⁵

Les projets scolaires font aussi appel à des événements sonores que l'on place dans le temps, les uns après les autres, ou simultanément. On y parle de masses, de lignes et de rapports entre les sons.⁴ Une « masse » est un ensemble de sons perçus comme un bloc ; une « ligne » est un fil mélodique que l'oreille suit.

La pratique instrumentale compte aussi : le geste de l'interprète participe à ce qui est produit, et chacun apprend à l'intégrer dans un travail de groupe.⁴

Pour situer ta pratique, il est utile de savoir comment on compose depuis longtemps. Jusqu'au début du XXe siècle, la composition devait être acceptée largement par les auditeurs et plaire à l'oreille ; elle suivait les règles du contrepoint et de l'harmonie.⁵ Le compositeur transposait sur un support visuel, la partition, ce qu'il voulait exprimer avec des sons.⁵

La formation des compositeurs a elle-même changé. Jusqu'au début du XIXe siècle, elle passait le plus souvent par la pratique : on était choriste, organiste, accompagnateur, improvisateur ou violoniste.⁵ Au cours du XIXe siècle, l'éducation musicale s'est normalisée et a imposé un cursus plus intellectuel, organisé en classes successives : solfège, harmonie, contrepoint, fugue, puis composition.⁵

Ce contraste éclaire ton propre parcours : le chemin par la pratique, qui part du jeu et de l'improvisation, a longtemps été celui des musiciens. Ton cours de musique le retrouve en partant de la pratique collective.

Voici une démarche que tu peux appliquer à n'importe quelle production de classe, seul ou en groupe. Elle ne vient pas d'un texte officiel : c'est une façon de t'organiser, construite à partir des gestes décrits plus haut.