La tragédie classique : cours de Seconde

Quand tu ouvres une pièce de Racine ou de Corneille, tu entres dans un monde très différent de celui d'une comédie. Ici, on parle de pouvoir, de destin, de passions qui mènent à la catastrophe. Ce cours t'aide à comprendre ce genre, à reconnaître ses règles et à t'en servir pour lire une pièce ou commenter un extrait en Seconde.

On commence par une définition simple. La tragédie est un genre théâtral sérieux : elle met en scène des personnages placés devant un conflit grave et sans issue, souvent lié au destin, au pouvoir ou à des lois qui dépassent les hommes ⁴. Elle suscite chez le spectateur la peur et la pitié, et elle s'achève en général par un malheur, comme la mort ou la ruine du héros ⁴.

Retiens deux idées dans cette définition. D'abord, les personnages sont hors du commun : leur rang, leur histoire, leurs enjeux sont élevés. Ensuite, le but n'est pas de faire rire mais de faire ressentir quelque chose de fort au public : de l'effroi devant ce qui arrive au héros, et de la compassion pour lui.

Le mot lui-même a une histoire. « Tragédie » vient du latin tragoedia, lui-même emprunté au grec tragôidía, qui désigne un chant ou un drame héroïque ⁴. Cette origine grecque explique pourquoi les auteurs français du XVIIe siècle se tournent sans cesse vers l'Antiquité pour justifier leurs choix.

Pour comprendre la tragédie du XVIIe siècle, il faut regarder d'où elle vient. Elle n'est pas née en France : elle est héritière d'une longue histoire.

En Grèce. La tragédie apparaît à Athènes et se joue lors des fêtes données en l'honneur du dieu Dionysos ⁴. Elle se développe par l'ajout progressif d'acteurs, un puis deux puis trois, à un chœur qui, au début, chantait seul ⁴. Parmi les auteurs dont les pièces servent ensuite de modèles, on cite Sophocle et Euripide ².

À Rome. Le théâtre romain n'a pas assez goûté la tragédie pour produire une littérature tragique importante ⁴. Sénèque a toutefois adapté en latin des tragédies grecques, comme Phèdre ou Médée ⁴. Ce détail compte pour la suite : Racine reprendra plus tard le sujet de Phèdre.

En Angleterre. À la fin du XVIe siècle et au début du XVIIe, des auteurs comme Christopher Marlowe et surtout William Shakespeare écrivent des tragédies ⁴. Elles gardent certains traits de la tragédie antique, mais elles s'en écartent par l'absence d'unité et par un mélange de tons : des passages comiques s'y glissent ⁴. Cette liberté est exactement ce que la tragédie française refusera.

En France. Il n'y a pas de tragédie au Moyen Âge français ; elle renaît au XVIe siècle, quand on relit les tragiques anciens ⁵. Au début du XVIIe siècle, elle prend d'abord la forme de la tragi-comédie, nourrie d'intrigues de plus en plus romanesques ⁵. Dans la première moitié du siècle, le public aime ces pièces à l'intrigue compliquée et aux décors complexes ⁵.

Puis les théoriciens et les dramaturges poussent à revenir vers un modèle plus proche des règles antiques : la tragédie devient alors le grand genre de l'époque classique ⁵. Ce mouvement s'accompagne d'une simplification : les intrigues s'épurent et les décors se dépouillent ⁵.

La tragédie française est très encadrée parce qu'elle prend appui sur un texte ancien qui fait autorité : la Poétique d'Aristote. Ce traité est écrit environ cent ans après l'âge d'or de la tragédie grecque ². Aristote étudie les pièces de Sophocle et d'Euripide et en dégage ce qui fait la réussite d'une œuvre ². Il aboutit ainsi à un genre dont presque tout est réglé d'avance, plus qu'aucun autre en littérature ².

Décomposons cette définition avec nos mots.

• Imitation d'une action : la tragédie ne décrit pas une idée, elle montre des actes. Elle représente, comme un miroir, ce que font les hommes ².
• Caractère élevé : l'histoire est sérieuse, loin des petits défauts du quotidien. C'est ce qui sépare la tragédie de la comédie, qui joue avec les ridicules d'hommes ordinaires dans un langage ordinaire ².
• Personnages en action et non récit : les spectateurs voient les héros agir et parler. (Au XVIIe siècle, on racontera pourtant sur scène les événements sanglants au lieu de les montrer : nous verrons pourquoi avec la bienséance.)
• Pitié et crainte : ce sont les deux émotions que la pièce doit déclencher chez le public. On parle aussi de « terreur et pitié » ⁵.

Pourquoi cela a-t-il une valeur morale ? Pour les théoriciens classiques, le théâtre tragique doit rendre meilleur : en luttant contre certaines de leurs passions, les spectateurs progressent sur le plan moral ⁵. Le raisonnement tient en trois temps. Le public voit des héros détruits par les suites de leurs fautes ⁵. Terreur et pitié le poussent ensuite à se détacher des passions qui ont mené ces héros à agir ⁵. Il évite donc de reproduire leurs erreurs dans sa propre vie ⁵.

Au XVIIe siècle, un spectateur cultivé juge une pièce à l'aune de règles précises. Les connaître t'évite de passer à côté de ce que fait un auteur dans un extrait : respecter une règle, ou la contourner, est toujours un choix.

Voyons chacune de ces règles, avec ce qu'elle signifie en pratique.

Les trois unités. Elles resserrent l'histoire pour qu'elle reste lisible et intense.

• L'unité de lieu : l'action se déroule dans un seul endroit, ou dans un lieu unique bien délimité (un palais, par exemple).
• L'unité de temps : la durée de l'histoire est courte ; on ne montre pas toute une vie, mais le point culminant d'un conflit.
• L'unité d'action : la pièce suit une intrigue principale, sans multiplier les histoires parallèles.

Ce resserrement explique que, à partir de Cinna, les tragédies de Corneille se concentrent sur une crise psychologique, courte mais violente, vécue par les personnages ⁵.

La bienséance. Elle interdit de choquer le public. Pas de combats ni de sang sur scène, pas de mots qui pourraient heurter, notamment ceux qui désignent des parties du corps, pas de rapprochements intimes comme les baisers ⁴. Voilà pourquoi la violence est le plus souvent racontée par un personnage (un récit) plutôt que montrée.

La vraisemblance. Ce qui est représenté doit paraître crédible aux yeux du public ⁴. Une histoire peut venir de la mythologie ou de l'histoire, mais elle doit se tenir : on n'y accepte pas de coïncidences invraisemblables.

La grandeur. Les personnages sont des rois, des reines ou des personnes de haute lignée ⁴. Leurs choix engagent un royaume, ce qui donne au conflit son poids.

En France, à l'époque classique, les deux dramaturges les plus importants sont Pierre Corneille et Jean Racine ⁴. Ils ne font pas la même tragédie, et c'est cette différence qui rend leur comparaison si riche à l'oral comme à l'écrit.

Corneille passe, au cours de sa carrière, d'une écriture baroque à une écriture classique ⁵. Il pratique aussi la tragi-comédie, avec Le Cid notamment, un genre très apprécié dans la première moitié du siècle puis passé de mode sous le règne de Louis XIV ⁴. Dans ses tragédies suivantes, il resserre l'intrigue autour d'une crise brève et violente ⁵.

Racine est présenté comme le grand tragédien classique ⁵. Il développe de manière exemplaire la peinture du cœur humain et le poids d'une fatalité intérieure : ses personnages sont poussés par leurs passions vers un accomplissement souvent mortel, comme dans Andromaque, Britannicus ou Bajazet ; Bérénice est plus apaisée ⁵. Dans Phèdre, la mythologie joue un rôle intense : l'héroïne est poursuivie par Vénus et son beau-fils Hippolyte par Neptune ⁵. Cela a désorienté le public, qui a d'abord préféré la pièce de Pradon sur le même sujet ⁵.

Le héros tragique réunit plusieurs traits que tu peux relever dans n'importe quel extrait :

• il est de haut rang (grandeur) ⁴ ;
• il affronte un conflit grave, sans solution simple ⁴ ;
• ses erreurs, ou ses passions, l'amènent à sa perte ⁵ ;
• le spectateur éprouve à son égard terreur et pitié ⁵.

Les notions précédentes ne servent que si tu sais les mobiliser devant un texte. Voici une démarche à suivre pour un extrait de tragédie classique, à l'écrit comme à l'oral.

Le genre tragique ne s'arrête pas avec Racine, mais il perd sa place dominante. Pendant des siècles, de l'Antiquité grecque jusque vers 1750, la tragédie est regardée comme le genre littéraire le plus prestigieux ². Elle l'emporte sur les autres genres poétiques, car elle imite les actions des hommes, et sur la comédie, qui se contente de railler les travers de personnes ordinaires ².

Au XVIIIe siècle, le genre a déjà connu son apogée. Crébillon et Voltaire écrivent encore des tragédies, mais leurs imitations ne réussissent pas à le faire revivre ². Le drame bourgeois apparaît alors, issu du déclin de la tragédie classique, et veut prendre sa place comme grand genre du théâtre sérieux ³. Les pièces rencontrent un public parce que celui-ci change, au rythme des transformations de la société ³.

Le tragique, lui, survit sous d'autres formes. Au XXe siècle, on retrouve un sens du tragique chez Samuel Beckett et Eugène Ionesco, comme chez Jean-Paul Sartre et Albert Camus, tous très différents ³. Certains auteurs reviennent aux sources en réécrivant des tragédies d'Eschyle et de Sophocle ³. Camus et Sartre remplacent la tragédie d'une fatalité métaphysique par celle de la liberté humaine : cela débouche sur l'absurde chez Camus, et chez Sartre sur l'idée que l'homme, en proie à sa liberté, doit choisir l'engagement dans l'histoire ³.