L'écriture du scénario : cours de Terminale CAV

Avant qu'un film existe à l'écran, il existe sur du papier. Le scénario est ce document de départ : il décrit ce que la caméra va montrer et ce que le micro va enregistrer. En Terminale, la spécialité Cinéma-audiovisuel ne te demande pas seulement de regarder des films : elle te demande aussi d'en écrire. Le programme vise en effet l'apprentissage des notions d'écriture scénaristique, pour le cinéma comme pour l'audiovisuel, et leur application dans des exercices de réalisation ².

Ce cours s'appuie sur ce que tu as déjà vu : le plan et le cadrage, le montage et le son au cinéma. Écrire un scénario revient à anticiper tout cela avec des mots. Tu vas voir ce qui distingue cette écriture de celle d'une rédaction, d'une nouvelle ou d'une pièce de théâtre, quelles étapes elle suit, quelles formes elle prend, comment elle se présente sur la page, et comment on adapte une œuvre littéraire.

Le programme organise le travail autour de trois axes principaux, qui ne sont pas exclusifs : les pratiques d'écriture, les analyses comparées et la confrontation avec le monde professionnel ². Ce cours touche aux trois : tu écriras, tu compareras des manières d'écrire, et tu verras comment les professionnels se servent de ce document.

Que veut dire « factuelle » ? Une phrase de scénario rapporte des faits observables. Tudor Eliad a défini le scénario comme « une histoire racontée en images » ³. L'écriture scénaristique ne décrit que des images et des sons ³.

Cette règle a une conséquence directe sur ta façon d'écrire. Un romancier peut écrire « Léa se sentait seule ». Une caméra ne filme pas un sentiment. Elle filme une jeune fille assise au bout d'un banc, un sac posé à côté d'elle, qui regarde un groupe rire plus loin. Le scénariste cherche donc ce qui se voit et s'entend pour faire comprendre l'émotion.

Pourquoi cette précision ? Parce que le scénario sert à l'intercompréhension des différents intervenants de la production du film, qui ont chacun des besoins d'informations spécifiques à leurs fonctions ³. Une même page doit être comprise par la personne qui choisit les lieux, celle qui règle la lumière, celle qui enregistre le son et celle qui joue la scène. Un texte flou les laisse chacun imaginer un film différent.

Sur une scène de théâtre, les personnages parlent beaucoup, car la parole porte l'action et décrit des lieux que le spectateur ne voit pas. Au cinéma, la caméra montre le lieu, le visage, le geste. Un dialogue qui explique ce que l'image montre déjà devient redondant. Le scénariste se demande donc, réplique par réplique : est-ce que l'image ne pourrait pas le dire à ma place ?

Le tableau ci-dessous résume les différences abordées dans ce cours.

Le programme précise que la pratique artistique traite des principaux types d'écriture liés à plusieurs genres : la fiction (scénario original ou adaptation), l'essai documentaire, le clip, la publicité, l'art vidéo, la vidéo et le cinéma expérimental ². Quel que soit le genre abordé, l'écriture passe par des étapes incontournables : la délimitation du sujet, le synopsis et la note d'intention ².

Selon le programme, l'écriture prend plusieurs formes : les séquences, qui relèvent d'une continuité non dialoguée, le scénario, qui relève d'une continuité dialoguée, le découpage et le storyboard ². Ces formes ne sont pas des étapes obligatoires dans un ordre unique : elles répondent à des besoins différents.

Cette distinction te sert concrètement. Quand tu cherches la construction du film, tu peux écrire d'abord une continuité sans paroles : qui fait quoi, où, dans quel ordre. Tu ne rédiges les dialogues que lorsque la structure te convient. Pour un film presque sans paroles, comme dans l'exemple du lycéen, la continuité non dialoguée peut presque suffire.

Le découpage et le storyboard prolongent le travail d'écriture vers la mise en scène : ils figurent dans la liste des formes que le programme cite pour la pratique artistique ². Pour les maîtriser, tu t'appuies sur tes acquis en cadrage et en montage : choisir des plans, c'est déjà décider de ce que le spectateur verra, dans quel ordre.

Cette convention est un outil de calcul précieux. Si tu dois réaliser un court métrage de cinq minutes, tu sais que ton scénario fait environ cinq pages. Si ton texte en compte douze, tu écris trop pour la durée prévue : il faudra couper. Attention, la règle donne une moyenne : une scène d'action qui se lit vite peut durer plus longtemps à l'écran que sa longueur écrite, et une scène très dialoguée l'inverse.

La mise en page n'est pas laissée au hasard. Elle fait ressortir des éléments structurés : les intitulés de scène, l'action, les noms de personnages, les dialogues, les didascalies et les transitions ⁴. Les traitements de texte classiques gèrent mal ces particularités, notamment les sauts de page imposés par le format des scénarios ⁴. C'est pourquoi des logiciels spécialisés existent : ils automatisent la mise en forme de ces éléments et prennent aussi en charge des contraintes de production comme la pagination ⁴.

Ces outils ont une histoire. Le premier logiciel d'écriture de scénarios était Scriptor, qui se contentait d'ajouter les sauts de page nécessaires dans un fichier issu d'un traitement de texte ⁴. Plus tard, des outils se sont ajoutés à Microsoft Word, puis une troisième génération est apparue avec des logiciels comme Final Draft ou Movie Magic Screenwriter ⁴. D'autres solutions fonctionnent dans un navigateur web et permettent le travail collaboratif, comme Celtx ³.

Cette citation résume l'équilibre à trouver. Olivier Assayas fut scénariste d'André Téchiné avant de devenir réalisateur ³. Il rappelle que l'écriture doit rester économe et tournée vers le tournage, tout en faisant sentir une atmosphère. Pour soutenir la description, le scénariste peut glisser quelques notations subjectives, qui ne relèvent ni de ce qu'on voit ni de ce qu'on entend, mais il le fait avec parcimonie, pour installer une ambiance précise ³.

Le cas d'Ingmar Bergman montre la limite de la règle. Dans le scénario de Cris et Chuchotements, il transgresse clairement les règles d'écriture de scénario, avec des comparaisons poétiques et des anthropomorphismes ³. Il s'est permis de rédiger ainsi parce qu'il est aussi le réalisateur du film, donc seul arbitre en cas d'interprétation équivoque ³. Cet exemple s'inscrit dans l'étude d'écritures qui témoignent de la diversité des approches et des méthodes professionnelles de scénaristes, de réalisateurs, de dialoguistes ².

Un scénario ne se limite pas à de belles scènes ; il organise une progression. Les méthodes d'écriture varient selon les périodes et les courants, et le programme invite à connaître des méthodes d'écritures scénaristiques différentes ².

Une méthode célèbre a pris de l'ampleur dans les années 1990 : un ouvrage de Christopher Vogler, intitulé Guide du scénariste, est alors devenu un repère pour qui écrit un scénario ³. Il s'appuie sur douze étapes, le « Voyage du héros », imaginé par le mythologue Joseph Campbell ; on en retrouve la trace dans la construction de la plupart des productions américaines, par exemple celles de Disney ³. George Lucas a reconnu s'en être inspiré pour bâtir l'intrigue de Star Wars ³.

C'est un travail particulier. La littérature donne aux auteurs une grande liberté, comme la narration psychologique ou poétique, mais ces effets doivent être restitués en son et en image ³. Une réécriture et une réinterprétation drastiques du rythme, de la contrainte de temps, de la structure et de l'action sont donc souvent nécessaires ³. Souvent, les lecteurs reconnaissent peu l'œuvre originale après l'adaptation ³.

Le programme mentionne d'ailleurs l'adaptation parmi les types de fiction travaillés, à côté du scénario original ².

Le programme attend que l'élève sache réinvestir dans une pratique personnelle les formes et démarches de l'écriture scénaristique qu'il a approchées ². Voici une démarche de travail qui reprend tout ce qui précède.